Som du allerede vet fra forrige innlegg, forrige uke var jeg i en vakker del av Lake District heter Buttermere. Det er en av de stedene der hvis du ikke har vært før, faller kjeven, og du blir så overveldet av skjønnheten, du nesten ikke vil sette kameraet til øyet ditt i tilfelle du ikke rekker å se noe. For meg var det min første gang der, og jeg kunne ha lykkelig satt og så på soloppgangen rundt meg uten å ta et eneste skudd, men jeg gjorde det, og jeg føler ingen forlegenhet i si jeg kom hjem som en spent barn styrtende til post- behandle dem. Jeg visste det var gull låst inne i minnekortet sted, jeg trengte bare å forsiktig løfte det ut!

Contrarily, er bildet ovenfor noe jeg tenker på som mer av en lett matt sølv. Det er noe i det, jeg kan bare ikke helt ta det ut på en måte er jeg fornøyd med. Jeg har prøvd alle slags!

Det var under denne prøver, eller "vaske etter gull" som jeg foretrekker å tenke på det, at jeg innså at mens du tar en arbeidsflyt er viktig for enhver fornuftig og logisk tilnærming til bilderedigering, du må også ha en bit av fleksibilitet i der også. Jeg starter med å importere bildene rett inn i Lightroom, og jeg så gå gjennom dem en etter den andre, merking av de som tiltrekker meg på en eller annen måte. Hvis de ikke har en umiddelbar innvirkning så de ikke gjør miksen. Jeg så kjøre gjennom de resterende flaggede bildene gi dem en gradering fra 1 til 5, så en endelig kjøre gjennom der jeg farge kode dem i henhold til likhet. Det etterlater meg et sett med bilder jeg er relativt fornøyd med og som jeg kan se på i sammenheng med andre så jeg ikke kaste bort tid å behandle et bilde jeg vil til slutt avviser i favør av en lignende en. Det gjort, og jeg sitter igjen med noe som bildet ovenfor der jeg vil bruke utvikle modulen for Lightroom å justere bildet på en måte som forhåpentligvis etterlater meg med et ferdig produkt. Jeg bruker sjelden photoshop disse dager som jeg finner ut at det meste av tiden Lightroom vil gjøre alt jeg trenger, men likevel, det er det som en reserveløsning alternativ hvis nødvendig.

Det var under denne redigeringen i utvikle modulen som jeg skjønte, etter noe sånt som 200 bilder var passert mine øyne, gjorde jeg akkurat det samme om og om igjen. Bruke de samme glidere, noe som gjør de samme eller lignende justeringer, med de samme eller lignende forhåndsinnstillinger. Det kan noen ganger være nyttig selvfølgelig, hvis du er ute etter å skape en type for eksempel, men det som irriterte meg om hva jeg gjorde var at jeg var i hovedsak tar ikke notis av selve bildet, og jeg var faktisk behandling det som alle andre bildet som hadde gått før det. Det er ingen måte jeg ville gjøre det for et maleri, så hvorfor gjorde jeg det til et fotografi? Hva er forskjellen?

Svært lite er det eneste svaret jeg kunne komme opp med. Hver er et kunstverk i seg selv og likevel her jeg var, sette høydepunktene til samme punkt på histogrammet, justerer de svarte på samme måte, etc, etc. Min arbeidsflyt var blitt min egen mentale fengsel. Etter å ha tilbrakt tid ute i felten komponere strukturen til bildet, vurderer de forskjellige former og linjer, og betraktet de følelsene jeg følte, der jeg var, hjem, behandler hvert bilde som om det var noe kommer av et samlebånd.

Heldigvis har jeg justert min arbeidsflyt for å ta hensyn til dette og eg står tilbake litt fra prosessanlegget siden, lovet meg selv vil jeg ikke begynne PP før minst en dag eller to er gått siden skyting bildene, som i ' tar en pause på hvert trinn i prosessen, at jeg skal lene seg tilbake og tenke på hvert bilde spesielt, før jeg tar på et enkelt skyveknapp. For noen som er hovedsakelig opptatt av individualitet og uttrykk innenfor et bilde det kom som noe av en irriterende realisering å oppdage jeg var så uaktsom i min arbeidsflyt og entusiasme for å se det ferdige resultatet, men jeg tenker også at det er noe vi er alle skyldige i fra tid til annen, og det er derfor jeg skriver om det her. En rensing av sjelen som jeg håper andre kan finne verdi i.

Det er veldig lett å bli opptatt i det vi gjør og like lett å så gjøre feil i dommen. Du justerer glidebryteren slik at skyggene viser detalj, men er det egentlig best for det bildet? Er du sikker på at du kunne se detaljene i der når du tok bildet? Du øke kontrasten eller justere klarheten glidebryteren fordi du vet at du liker litt "trøkk" i bildet ditt, men kanskje litt mykhet og diffusjon ville ekko følelsene dine mer, selv om det så litt mindre "realistisk"? Det er mange muligheter, men håpet er at ved å vurdere hver av dem, bringe deg selv nærmere hva du så og følte da du klikket på utløserknappen snarere enn til en viss pre gjennomtenkt forestilling om hva som gjør et bra bilde.

Jeg vet ikke hvilken er det kylling og som er egget her, men i å realisere dette problemet, jeg ser nå frem mer enn noensinne til neste bok av David duChemin rett Vision & Voice . Jeg gjør ingen unnskyldninger for å avslutte dette innlegget på en annen plugg fordi jeg tenke meg denne boken kommer til å gå en stor vei mot å ta de problemene jeg har nevnt her, og mens jeg kan ta feil selvfølgelig, (jeg har ikke lest det selv ennå ) på styrken i de 2 siste bøkene ville jeg blitt svært overrasket om det ikke gjorde 'akkurat hva det står på tinn ". Det er utgitt neste måned og du kan lese et utdrag over på utgivere Peachpit . David snakker også litt om det på bloggen hans her .

Siste innlegg

• November Bakgrunn
• Oktober Bakgrunn
• Island, en monografi - Skriv ut og The Process
• September Wallpaper - Crkva Ruzica
• The Magic Of Black And White (Pt3) av Andrew S Gibson
• Musetouch lanserer!
• The International Guild of Visual fredsskapere lanserer!
• August Bakgrunn
• Craft & Vision - Chasing Reflections av Eli Reinholdtsen
• Sammensetning og formål

Dette innlegget ble postet på mandag, 21 juni, 2010 kl 18:34 og er arkivert under Fotografi , Technique , Vision . Du kan følge eventuelle svar på denne oppføringen gjennom RSS 2.0 feed. Du kan legge igjen et svar , eller trackback fra din egen side.